Asturias ist das bekannteste Stück der klassischen Gitarrenliteratur — und eines der meistfehlbenannten. Die Musik, die Isaac Albéniz schrieb, ist reiner andalusischer Flamenco, verwurzelt in der phrygischen Tonart Südspaniens. Mit Asturien, der grünen, keltisch geprägten Region im Norden des Landes, hat sie nichts zu tun. Den Titel fügte posthum ein deutscher Verleger hinzu — und er hat sich seitdem gehalten, ungeachtet der Geographie.
Der wahre Ursprung
Albéniz komponierte das Stück als Prélude — den Eröffnungssatz einer dreiteiligen Sammlung namens Chants d'Espagne, Op. 232, erschienen 1892. Es handelte sich um ein Klavierstück, dessen Klaviertexturen auf eigenartige Weise unklavieristisch sind: ein hämmernder Bordun in der Bassstimme, eine Melodie in der phrygischen Tonart darüber, und das treibende rhythmische Gefühl der Bulería, einer der energischsten Formen des Flamenco. Nachdem Albéniz 1909 gestorben war, veröffentlichte ein deutscher Verleger eine erweiterte Ausgabe der Suite Española und gab dem Stück den Namen Asturias (Leyenda) — „Leyenda" bedeutet schlicht „Legende" — und fügte es in eine Suite ein, zu der es nie gehört hatte. Der Name hat jeden Korrekturversuch überlebt.
Die Verwirrung über die Herkunft des Stücks reicht tiefer als nur der Titel. Manche Kataloge führen das Werk unter der Suite española Op. 47, während Musikwissenschaftler es den Chants d'Espagne Op. 232 zuordnen. Beide Zuschreibungen kursieren in Konzertprogrammen, Aufnahmen und gedruckten Ausgaben. Was feststeht: Albéniz schrieb Musik, die andalusische Luft atmet — und die Region Asturien, regenreich, keltisch und in ihrem Charakter grundverschieden, hatte damit nichts zu tun.
Das Klavieroriginal
Auf dem Klavier sind die Außenteile von Asturias unerbittlich und perkussiv. Die linke Hand hämmert einen wiederholten Bordun auf E, während die rechte Hand eine phrygische Melodie in Triolenarpeggio vorantreibt. Die Wirkung ist bewusst hypnotisch — die Wiederholung ist der Punkt, die Spannung entsteht durch Akkumulation statt durch harmonische Bewegung. Der Mittelteil verschiebt die Stimmung vollständig und führt eine kantable Melodie ein, die dem Charakter der Malagueña, einer der lyrischen Formen des andalusischen Gesangs, nahesteht. Dieser Kontrast — Härte und Lyrik, Bordun und Gesang — gibt dem Stück seinen dramatischen Bogen.
Albéniz (1860–1909) war selbst ein Wunderkind, das als Pianist von frühem Alter an durch Europa reiste. Seine reife Kompositionssprache schöpfte tief aus den Volks- und Flamenco-Idiomen Spaniens und filterte sie durch eine europäische romantische Harmonik, die er in Leipzig und Brüssel aufnahm. Asturias steht an der Schnittstelle dieser beiden Welten: formal ein romantisches Charakterstück, in seiner Seele Flamenco.
Auf der Gitarre
Francisco Tárrega fertigte die erste Gitarrentranskription an und transponierte das Stück nach e-Moll — eine Tonart, in der der zentrale Pedalton auf die leere H-Saite fällt und dem Bordun seine charakteristische Resonanz und seinen Sustain verleiht. Andrés Segovia verfeinerte und erweiterte dieses Arrangement und fügte die Triolenfiguren in der Melodie hinzu, die die meisten Gitarristen heute als Teil des Standardtexts betrachten. In e-Moll sitzt das Stück ideal im mittleren Register der Gitarre, die leeren Saiten klingen frei, und die phrygische Melodie singt darüber.
Die Transkription funktioniert so gut, weil die Gitarre in vielerlei Hinsicht das Instrument ist, das Albéniz vor Augen hatte — auch wenn er für Klavier schrieb. Der Bordunonbass auf einer wiederholten leeren Saite ist eine Technik, die dem Flamenco fundamental ist. Die schnellen Arpeggio-Figuren in der Oberstimme liegen unter den Fingern auf natürliche Weise, wie sie es unter den Händen an der Klaviatur nicht tun. Manche Gitarristen verwenden eine leichte Scordatur — die sechste Saite von E auf D heruntergestimmt — um dem Bassbordun mehr Gewicht zu verleihen, obwohl die meisten Aufführungen Standardstimmung verwenden. Auf einem guten Konzertinstrument mit klarer Trennung zwischen Bass und Diskant offenbart das Stück Klangschichten, die wirklich elektrisieren.
Die Wahl der Gitarre spielt eine erhebliche Rolle. Die kraftvollen Basspedaltöne verlangen ein Instrument mit einem fokussierten, tragenden tiefen Register. Die schnellen Treble-Arpeggios brauchen Klarheit und gleichmäßiges Ansprechen auf allen Saiten. Konzertgitarren mit Fichtendecke verleihen den Außenteilen oft besondere Autorität, während Zederndecken dem Mittelteil einen wärmeren, intimeren Charakter geben können. Manche Interpreten bevorzugen für das anspruchsvolle dynamische Spektrum des Stücks die trockene Projektion einer Doubletop-Gitarre.
Technik und Üben
Auf fortgeschrittenem Niveau stellt Asturias in jedem seiner Teile eigene technische Herausforderungen. Die Außenteile verlangen anhaltende Geschwindigkeit und Ausdauer: Das Arpeggio-Muster der rechten Hand muss über mehrere Minuten im Tempo sauber und gleichmäßig bleiben, während der Daumen den Bassbordun mit konsistenter Klangqualität und Gewicht hält — unabhängig von dem, was die Finger darüber tun. Viele Spielerinnen und Spieler stellen fest, dass die erforderliche Ausdauer der rechten Hand das eigentliche Hindernis ist. Das Muster selbst ist nicht komplex, aber Präzision unter Ermüdung zu halten, erfordert spezifisches Training.
Der Mittelteil verlangt eine völlig andere Fähigkeit: ausdrucksstarke Legatophrasierung und saubere Stimmtrennung. Die innere Melodie muss über einer Begleitung singen, die trägt, ohne zu überdecken. Lagenwechsel in der linken Hand müssen so fließend sein, dass die Melodielinie nicht abbricht. Die Rückkehr zum Außenteil nach dem Mittelteil erfordert eine sofortige Neuausrichtung von Körperhaltung und musikalischem Charakter.
Wer das Stück erarbeitet, profitiert davon, die Daumenbasslinie zu isolieren und allein zu spielen — um zu prüfen, ob jede Bassnote einen konsistenten Ton hat und der Daumen bei der Wiederholungsbewegung nicht greift oder verkrampft. Langsames Üben des Arpeggios mit Aufmerksamkeit auf Winkel und Kontaktpunkt jedes Fingers zahlt sich im Tempo aus. Die phrygische Tonart gibt dem Stück eine unverwechselbare harmonische Farbe: Der Halbtonschritt zwischen der ersten und zweiten Stufe (f und e in e-Phrygisch) ist die Quelle vieler seiner Spannung — dieses Intervall in der Aufführung herauszustellen klärt den Flamenco-Charakter des Stücks.
Für den Kontext der technischen Anforderungen im Gitarrenrepertoire lohnt es sich, die Leitfäden zu Recuerdos de la Alhambra und Capricho árabe — beide von Tárrega, beide zentrale Repertoirewerke — parallel zu lesen.
Aufführungen bei Siccas Guitars
Stellung im Repertoire
Asturias nimmt eine eigentümliche Stellung im Kanon der klassischen Gitarre ein. Es ist gleichzeitig das Stück, das am häufigsten bei Anfängervorspielabenden zu hören ist — in vereinfachten Arrangements — und eines der anspruchsvollsten Werke des Standardrepertoires, wenn es in voller Länge im Tempo gespielt wird. Seine Bekanntheit bedeutet, dass Publikum mit Erwartungen ankommt, was für den Interpreten einen eigenen Druck erzeugt.
Im breiteren Kontext der spanischen Musik für Gitarre gehört Asturias neben den eigenen Kompositionen Tárregas und den Werken von Agustín Barrios zu der Musik, die definiert hat, was die klassische Gitarre sein kann. Ihr Einfluss auf die Wahrnehmung des Instruments — dramatisch, südlich, dringend, ausdrucksstark — ist kaum zu überschätzen. Von Julian Bream über John Williams bis zur aktuellen Generation von Konzertgitarristinnen und -gitarristen haben alle das Stück eingespielt, und die Zahl der verfügbaren Einspielungen ist ein verlässlicher Indikator seiner Zentralität im Repertoire.
Wenn du die großen Werke der klassischen Gitarre erkundest oder verstehen möchtest, wo Asturias im Vergleich zu anderen Stücken ähnlichen Schwierigkeitsgrads steht, bietet der Leitfaden zu den großen klassischen Gitarristen nützlichen Kontext für die Interpreten, die diese Stücke im Gedächtnis des Publikums geprägt haben.
Zusammenfassung
Das Stück, das Albéniz schrieb, handelt nicht von einer Region. Es handelt von einer Tonart, einem Rhythmus und einem Klang — dem phrygischen Bordun des andalusischen Flamenco, kanalisiert durch ein romantisches Klavieridiom und dann, durch die Hände von Tárrega und Segovia, auf das Instrument zurückgebracht, nach dem es immer geklungen hat. Auf einer guten klassischen Gitarre ist Asturias eines der viszeral packendsten Dinge in der Musik. Der falsche Name hat ihm nie geschadet.
Mehr dazu im vollständigen Albéniz-Leitfaden und im Artikel zu Sevilla.
